PRIMER SONIDO
Primer Sonido es una obra pictórica creada a partir de una investigación artística sobre las glías y su papel como elementos conectores y organizadores del cerebro humano.
La pintura aborda la idea de origen, comunicación y estructura interna, estableciendo un diálogo entre ciencia, percepción y proceso creativo.
OBRA PICTÓRICA SOBRE LIENZO Y PAPEL
OBRA PICTÓRICA SOBRE LIENZO Y PAPEL
Son obras únicas, pensadas para coleccionar, habitar espacios con sentido o regalar arte con profundidad simbólica. Pintura contemporánea creada como camino de vida, donde cada obra conserva su identidad, su técnica y su tiempo.
PRIMER SONIDO
Para mi la pintura, la música y el gesto son expresiones de mi propia energía vital y por ello continuamente estoy explorando esas intersecciones, sin embargo he pasado por épocas expresivas muy diferenciadas entre ellas.
En esta página te comparto parte de lo que llevo creado.
Para mi entender el Arte es un camino de vida y por supuesto la pintura lo es en consecuencia.
REVERIE
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Todo lo que somos, todo lo que experimentamos, todo lo que creamos y vivimos es una manera en que lo energético se expresa. Somos moldeadores de nuestra realidad y cada uno de nuestros sentidos están neurológicamente relacionados. De esto es de lo que hablo en mi libro " nuevos procesos creativos y sinestesia", algo que se lleva estudiando desde hace siglos
Mi investigación al respecto de lo sinestésico y lo creativo me ha llevado a crear pinturas a partir del análisis de música y a componer música a partir del análisis de imágenes.
ONDINES
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Esta obra nace a partir de una serie fotográfica que realicé previamente, en la que mi mirada se detuvo en las formas, texturas y silencios del paisaje. Aquellas fotografías se convirtieron posteriormente en el punto de partida de un nuevo proceso creativo: trasladar la imagen fotográfica al lenguaje de la pintura, no para reproducirla, sino para reinterpretarla desde la memoria, la percepción y la emoción.Creada con técnica mixta sobre lienzo, la obra es un canto visual a la quietud profunda de la tierra, a la memoria milenaria de las piedras y al misterio que habita en aquello que aparentemente permanece inmóvil y, sin embargo, parece contenerlo todo.Las formas evocan figuras que emergen del paisaje, casi como cuerpos en reverencia o vestigios de un antiguo ritual detenido en el tiempo.
Esta pieza forma parte de una investigación artística en la que fotografía y pintura dialogan como dos maneras distintas de percibir una misma realidad. La imagen inicial deja de ser únicamente documento para convertirse en experiencia pictórica, abriendo un espacio donde paisaje exterior y paisaje interior pueden encontrarse.
INSIDE
Esta obra forma parte de la 10.ª Exposición del Festival Internacional de Arte Geoje 2024, «Lenguaje de la Coexistencia, el Arte», en Corea del Sur.
Mi trabajo cruza fronteras y entra en diálogo con artistas y miradas procedentes de otros lugares del mundo. Para mí, exponer en Corea tiene además un significado especial: el arte vuelve a demostrarme que puede viajar más allá de los idiomas, las distancias y las culturas.
MAR
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La profundidad de lo invisible
Obra presentada en la exposición Eneagrama, celebrada en la sala de exposiciones del Centro Cívico Marca de l'Ham.
Esta creación surge de mi vínculo íntimo con el mar, un universo que siempre he percibido como una metáfora de la existencia humana y de la inmensidad de nuestro mundo emocional.
El océano, con sus profundidades insondables, me evoca la complejidad de los sentimientos y los múltiples estratos de nuestra conciencia.
Para trasladar esta percepción al lenguaje pictórico, recurrí a una gama de azules intensos, enriquecidos mediante texturas que aportan profundidad y movimiento a la composición. Las pequeñas intervenciones blancas sugieren la espuma efímera de las olas, los destellos de luz que atraviesan el agua y la naturaleza cambiante de su superficie.
Mar es, en esencia, una reflexión pictórica sobre la introspección y la búsqueda del equilibrio emocional.
Una invitación a atravesar las capas superficiales de nuestra percepción para adentrarnos en ese territorio íntimo donde habitan la memoria, la sensibilidad y nuestra naturaleza más profunda.
Más allá de su dimensión estética, esta obra propone una experiencia contemplativa, un encuentro entre la materia, el color y el universo emocional de quien la observa.
Porque, al igual que el océano, también nosotros guardamos profundidades que solo se revelan cuando nos atrevemos a sumergirnos en ellas.
VORTICES
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VÓRTICES | La danza de las energías
Una exploración pictórica del movimiento, la transformación y las fuerzas invisibles que conectan cuanto existe.
Esta obra nace de mi fascinación por el movimiento como principio esencial de la vida. Todo cuanto nos rodea se encuentra en constante transformación: la naturaleza, los pensamientos, las emociones e incluso aquello que, a simple vista, parece permanecer inmóvil.
A través de una composición dominada por dos grandes estructuras circulares, he querido explorar visualmente ese diálogo permanente entre fuerzas que se atraen, se encuentran, se entrelazan y, en ocasiones, parecen oponerse.
Las pinceladas amplias y gestuales generan una sensación de movimiento continuo, como si la materia pictórica estuviera impulsada por una energía interior que desborda los límites del lienzo.
Los tonos rojizos, ocres y anaranjados evocan la intensidad de las emociones y la fuerza vital, mientras que los verdes y azules profundos introducen una dimensión de equilibrio, serenidad y misterio. Los trazos dorados atraviesan la composición como destellos de luz, estableciendo conexiones entre los diferentes espacios cromáticos.
Las formas parecen girar sobre sí mismas, creando un ritmo visual que recuerda al movimiento de una danza, a la expansión de una onda sonora o a los ciclos incesantes de la naturaleza.
CONEXIONES
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Pinté esta obra en 2023, después de mantener una conversación especialmente difícil y dolorosa con una de mis hermanas. Aquel encuentro despertó en mí emociones profundas y contradictorias que necesitaban encontrar una vía de expresión.
En lugar de permitir que aquella experiencia se instalara en mi interior en forma de angustia, tensión o sufrimiento, decidí recurrir a una de las herramientas más poderosas que conozco: la creación artística.
La pintura se convirtió entonces en un espacio de refugio, pero también de confrontación y transformación.
Para mí, pintar no es únicamente producir una imagen estéticamente interesante. Es también investigar mi mundo interior, dialogar con aquello que me conmueve y encontrar nuevas formas de comprender la realidad.
Esta pintura representa precisamente eso: el instante en que una experiencia dolorosa deja de dominarnos y comienza a transformarse en una expresión de libertad.
Porque, en ocasiones, aquello que no podemos resolver con las palabras encuentra en el arte un lenguaje propio.
EGO
Esta obra está creada con una técnica diferente de lo que suelo trabajar.
En este caso no está creada con técnica mixta sino púramente disfrutando del acrílico sobre tela.
Empezó siendo una obra al carboncillo a partir de una emoción que me estaba asfixiando para posteriormente derivar en una obra que contiene la abstracción de la emoción vivida.
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EGO
RETAZO
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La belleza de un instante | Luz, materia y emoción
Esta es una de las obras sobre lienzo por las que siento un afecto especial, tanto por su proceso de creación como por la experiencia emocional que encierra.
Realizada mediante una combinación de pan de oro, óleo, acrílico, arena y fragmentos de partituras musicales, esta pieza reúne diferentes materiales y texturas que dialogan entre sí, aportando profundidad, relieve y una singular riqueza expresiva.
Las texturas en relieve y los reflejos del pan de oro enriquecen esta experiencia visual, permitiendo que la obra dialogue con la luz y revele nuevos matices según el momento del día y la perspectiva desde la que se contempla.
De pequeño formato, pero dotada de una intensa presencia poética, esta pieza resulta especialmente adecuada para espacios íntimos que buscan una decoración elegante, delicada y con personalidad.
Una pequeña ventana hacia ese instante mágico en el que la luz transforma la materia y la belleza parece detener el tiempo.
ORO VIEJO
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ORO VIEJO | Resonancias de luz y memoria
Obra realizada en técnica mixta sobre lienzo, mediante la combinación de pan de oro, óleo y partituras musicales.
Oro viejo nace de mi investigación artística sobre los procesos creativos vinculados a la sinestesia cognitiva, una exploración de las conexiones entre la percepción sonora, el lenguaje visual y la expresión plástica.
En esta composición, la música abandona su naturaleza intangible para adquirir una presencia física a través de la materia, el color y la textura. Las partituras musicales se integran en la superficie pictórica como fragmentos de un lenguaje que trasciende el sonido, convirtiéndose en elementos visuales cargados de ritmo, memoria y significado.
El pan de oro introduce una dimensión lumínica que dialoga con la densidad y la expresividad del óleo. Sus reflejos cambiantes evocan el paso del tiempo, la permanencia de los recuerdos y la belleza de aquello que, aun envejeciendo, conserva intacta su capacidad de emocionar.
La superposición de materiales genera un espacio de encuentro entre distintas formas de percepción, donde la escritura musical se transforma en imagen y la luz parece adquirir una resonancia propia.
Más allá de su dimensión estética, Oro viejo constituye una reflexión sobre la relación entre música, materia y memoria, invitando al espectador a descubrir las correspondencias sensoriales que pueden surgir entre diferentes disciplinas artísticas.
Una obra en la que la música se hace materia, el tiempo se convierte en textura y la luz parece conservar el eco de sonidos que todavía permanecen en nuestra memoria.
TITULO: LA GOTA
A veces, todo lo que somos se condensa en un instante.
Una grieta, una lágrima, una gota.
Esta obra nació de una urgencia interior, de esa presión invisible que a veces sentimos en el pecho, como si algo necesitara caer, abrirse paso.
Una rendija dorada que se abre en un mundo rojo, cálido, visceral, femenino. Como el útero, como el corazón, como el fuego que se contiene.
Ahí quedó: suspendida, descendiendo...
No la contuve. La dejé ser.
Porque a veces, una sola gota basta para contarlo todo.
Técnica y soporte: Técnica mixta sobre lienzo (óleo, acrílico, fotografía y arena)
Dimensiones: 120 x 50 cm
Año de creación: 2023
Obra única: Sí
Firmada: Sí
Incluye certificado de autenticidad: Sí, firmado por la autora
Estado: Obra original disponible
SIMBOLOS
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El lenguaje ancestral de la transformación
Técnica mixta sobre lienzo. Acrílico y pintura en relieve.
Esta obra nace de mi fascinación por los antiguos lenguajes simbólicos y por la manera en que el ser humano, desde tiempos remotos, ha intentado representar las fuerzas invisibles que gobiernan la naturaleza y nuestra propia existencia.
Inspirada en símbolos ancestrales vinculados al movimiento, la rotación y los ciclos de la vida, esta composición pictórica explora la idea de que nada permanece verdaderamente inmóvil. Todo cuanto existe se encuentra en un proceso constante de transformación: la materia, la energía, el pensamiento y las emociones.
Las formas circulares evocan el movimiento perpetuo, los ciclos solares y la continuidad de la existencia. Las estructuras geométricas, semejantes a ruedas y engranajes, sugieren la interacción entre diferentes fuerzas, mientras que los trazos y signos distribuidos sobre el lienzo construyen una suerte de escritura primitiva, un lenguaje visual que parece conservar la memoria de conocimientos antiguos.
Para su realización utilicé acrílico y pintura en relieve, creando una superficie donde los símbolos adquieren corporeidad y establecen un diálogo con la luz. Las tonalidades rojizas y anaranjadas aportan calidez, vitalidad e intensidad, mientras que los reflejos metálicos acentúan el carácter enigmático de la composición.
Una invitación a contemplar la vida como un movimiento incesante, donde cada transformación representa el comienzo de una nueva posibilidad.
TRIPTICO: AI-KI-DO
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Amor, energía y camino
Una exploración pictórica de la espiritualidad japonesa y de las conexiones entre caligrafía, color, sonido y emoción.
Este tríptico nace de mi profunda vinculación con la cultura japonesa y de las experiencias que marcaron mi trayectoria artística durante los años que residí en Japón, entre 2000 y 2002.
Aquella etapa me permitió adentrarme de primera mano en la sensibilidad estética y filosófica del país del Sol Naciente, descubriendo una manera de comprender el arte en la que el gesto, la intención y la espiritualidad se encuentran íntimamente relacionados.
Uno de los aprendizajes más significativos fue mi acercamiento al shodō, el arte tradicional de la caligrafía japonesa, una disciplina que trasciende la escritura para convertirse en una forma de expresión interior. En ella, cada trazo contiene una intención, cada movimiento revela un estado emocional y el espacio vacío adquiere tanta importancia como la propia tinta.
Tríptico Kanji se articula alrededor de tres conceptos fundamentales: AI (愛), el amor; KI (気), la energía vital; y DŌ (道), el camino. Tres ideas que, desde mi interpretación artística, representan dimensiones esenciales de la existencia humana y de nuestra relación con el mundo.
Desde mi investigación sobre los procesos creativos vinculados a la sinestesia cognitiva, concibo estas relaciones como un diálogo entre diferentes formas de percepción. La escritura adquiere ritmo, el color sugiere resonancias sonoras y el movimiento del pincel se convierte en una manifestación visible de la energía interior.
Las tres piezas, concebidas como una unidad, establecen un recorrido simbólico en el que el amor, la energía y el camino se complementan y adquieren significado a través de su relación.
Más allá de su dimensión decorativa, este tríptico invita a la contemplación y a la reflexión sobre la armonía entre el pensamiento, la emoción y la acción.
Porque el arte, como la vida, es también un camino: un gesto que nace de la energía, encuentra su sentido en el amor y deja una huella visible de nuestro mundo interior.
GESTO Y SILENCIO
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Geometría de una emoción
Una exploración pictórica del equilibrio entre la espontaneidad del gesto, la geometría y el espacio vacío.
Esta obra nace de mi interés por el gesto como manifestación directa de nuestro universo interior. Un movimiento aparentemente sencillo puede contener una emoción, una intención o una energía que encuentra en la pintura una forma de expresión más allá de las palabras.
Sobre un fondo negro, profundo y silencioso, se desarrolla una composición en la que conviven dos lenguajes visuales aparentemente opuestos: la libertad de las salpicaduras y los trazos blancos, y la precisión de las líneas geométricas que atraviesan el espacio.
El blanco irrumpe sobre la oscuridad con una vitalidad casi orgánica. Sus formas irregulares evocan el movimiento espontáneo del cuerpo, la fluidez de una emoción que se libera y la huella irrepetible de un instante creativo.
En contraste, las líneas angulares, acompañadas de sutiles acentos rojizos, introducen una dimensión de orden, dirección y estructura. Ambas expresiones conviven en un mismo espacio, estableciendo una tensión visual que invita a reflexionar sobre la relación entre el impulso y el control, entre aquello que sentimos y la manera en que decidimos expresarlo.
El espacio negro no constituye simplemente un fondo, sino un elemento esencial de la composición. Su presencia permite que cada gesto adquiera significado y que el vacío se convierta en una forma de silencio visual.
Desde mi perspectiva como artista pluridisciplinar, encuentro en esta obra una estrecha relación con la música y la danza. Los trazos pueden interpretarse como movimientos suspendidos, las salpicaduras como impulsos rítmicos y los espacios vacíos como pausas que permiten respirar a la composición.
La pintura se convierte así en una partitura visual, donde el gesto, la dirección y el silencio participan de un mismo lenguaje expresivo.
El gesto y el silencio propone una experiencia contemplativa en la que lo esencial no reside en la cantidad de elementos, sino en la intensidad de su presencia.
SERIE:SOMBRAS
Abstracción pura a partir de un trabajo inicial que permití que fuera transformándose. La textura de la obra se integra de manera natural dando las pinceladas necesarias para comprender en la imagen un paisaje.
Técnica MIXTA sobre lienzo.
ESTUDIO DE COLOR: NÍSPEROS
Técnica acrílico sobre papel
